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3 octobre 2012 3 03 /10 /octobre /2012 12:18

 

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I was expecting it to be a project related in some way to an East Asian background, and in fact the London-based Studio Weave is headed by Korean-born Je Anh. As part of Kedleston Hall’s art initiative called Playful Landscapes, Studio Weave have designed a series of pieces that capture your attention to the surrounding landscape as never before. They are named The Hear Heres and are horns dotted along a walk through the grounds of Robert Adam’s Kedleston Hall in Derbyshire, England. Those trumpets point towards the water in a lake, point towards the sky or are twisted around trees, all with one singe intention: make us hear the true sound of nature, from the twirling wind, the singing of a far away bird, the shivering of the water or the sound of trees. Each of those structures is sculpted from fiberglass and coated in zinc, propped up on steel stilts, positioned to amplify the surrounding sounds

                                 roberta cucchiaro

 

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1 octobre 2012 1 01 /10 /octobre /2012 07:58

 

 

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Photos: © Peikwen Cheng

Chaque année, à la fin de l'été, le Black Rock Desert dans le Nevada accueille près de 50 000 esprits libres rassemblés pour créer la Black Rock City, une ville éphémère inventée de toute pièce nourrie à la solidarité, l'art, l'indépendance et les substances illicites, qui disparait dans ses cendres au bout d'une semaine.

A travers ces clichés issus de la série "Lost and Found" du photographe Peikwen Cheng, voici une plongée, douce et poétique, à Burning Man.

 

 

 

 

 

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29 septembre 2012 6 29 /09 /septembre /2012 07:33

 

 

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Né à Vukovar en 1952, Stanko Abadzic avait 15 ans lorsque son père lui fit cadeau de son premier appareil photo, un modèle russe Smena 8 qu’il a toujours conservé car, dit-il «les bonnes photos ne sont pas toujours réalisées avec des appareils onéreux.» Alors qu’il était étudiant, il gagnait son argent de poche en réalisant des photos de mariage et de matches de foot. Après ses études, il travailla comme traducteur et reporter. Lorsque, en 1991, la ville de Vukovar fut complètement dévastée par la guerre, Abadzic perdit toutes ses archives, quelque 3000 négatifs. Après s’être expatrié en Allemagne de 1990 à 1995, il se rendit ensuite à Prague où il enseigna l’allemand avant de travailler uniquement en tant que photographe free-lance. Depuis 2002, il vit sur l’île de Krk en Croatie.

 

 

 

 

 

 

 

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26 septembre 2012 3 26 /09 /septembre /2012 21:48

 

 

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Anish Kapoor est né en 1954 à Bombay. A l'âge de 19 ans, il s'installe à Londres et suit les enseignements du Hornsey College of Art, puis de la Chelsea School of Art Design. Dès le début de sa carrière, il est choisi pour représenter l'Angleterre lors de manifestations internationales (Biennale de 1982, Biennale de Venise en 1990).

Au début de sa carrière, à la fin des années 1970, Anish Kapoor privilégie le pigment brut comme

outil d'expression : la couleur est le medium privilégié de l'artiste qui l'utilise à la fois comme un

moyen et comme une fin. Dans les années 1980, de nombreuses oeuvres vont jouer du rapport

entre la pierre brute et le vide, marquant l'intérêt de l'artiste pour une mise en valeur à la fois

contemplative et originelle de la matière. Ce rapport à la matière va s'accentuer dans les années

1990 avec l'apparition d'oeuvres « réfléchissantes » réalisées en acier inoxydable poli, mais

aussi avec l'utilisation de la cire rouge qui insiste sur le rôle de l'informe et son rapport

entropique à l'espace. Plus récemment, l'artiste a utilisé le béton pour générer informatiquement

des sculptures aléatoires. Cette évolution dans les matériaux va de pair avec une prise en

compte toujours plus aiguisée du rapport à l'espace. Au fil de sa carrière, Anish Kapoor aura

ainsi l'occasion de créer diverses sculptures dans l'espace public, révélant ainsi son souci d'un

art qui parle à la fois au collectif et à l'individu.

L'oeuvre d'Anish Kapoor tend à faire coïncider, en une même sensation, le sensible et le spirituel,

mais aussi le monumental et l'intime, ou encore le désordre et la perfection. Son travail s'inscrit

toujours dans un lieu dont il prend en compte les spécificités pour effacer toute trace de

subjectivité au profit d'une sensation d'auto-génération de l'oeuvre. Que ce soit une concavité

dans un mur, une torsade gigantesque, un reflet dans le paysage ou une masse de cire informe

et sublime, à chaque fois le visiteur est animé d'un sentiment contradictoire et saisissant entre

ce qu'il sait de la sculpture et ce que son corps ressent. Comme le souligne l'artiste, « l'espace

lui-même est une entité philosophique et pas simplement le lieu ou des choses se passent. »

Tout au long de sa carrière, Anish Kapoor a révélé l'espace en l'ouvrant à de nouvelles

dimensions. La matière elle-même est ramenée à une profonde essentialité et c'est en jouant

sur ces effets d'espace redimensionné et de pure matière que l'oeuvre inscrit sa marque

physiquement et spirituellement sur le visiteur.

Fort d'une reconnaissance artistique précoce, Anish Kapoor a cumulé presque tous les

honneurs et toutes les responsabilités susceptibles d'être confiés à un artiste en Grande

Bretagne : lauréat du prix Turner et élu membre de la Royal Academy en 1991, Commandeur

de l'Ordre de l'Empire britannique (CBE) en 2003 et membre des institutions artistiques

britanniques les plus prestigieuses (Art Council, Conseil de supervision de la Tate Modern).

Considéré aujourd'hui comme l'un des plus grands sculpteurs vivants, il bénéficie d'une

popularité étonnante auprès du grand public international, grâce à un art résolument expressif

malgré son abstraction. Ses sculptures sont ainsi présentes dans les musées et les collections

privées du monde entier, mais également offertes à tous dans des lieux publics.

Anish Kapoor a récemment exposé au Musée Guggenheim Bilbao, à la Royal Academy of Arts

de Londres ou encore au MAK de Vienne.

 

 

 

 

 


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24 septembre 2012 1 24 /09 /septembre /2012 21:36

 

 

"Paso doble" est l’oeuvre commune de deux créateurs d’images: le peintre et sculpteur catalan Miquel Barceló s’est imposé au niveau mondial en 1982 lors de la prestigieuse manifestation d’art de Kassel, la Dokumenta. Depuis, il est exposé par les principales galeries et les plus grands musées du monde.

Au cours des années 90, sur un atelier-pirogue de son invention, il descend des rivières africaines et peint avec tout ce qu’il pêche ou trouve dans les fonds. Ses toiles, ses sculptures et ses céramiques atteignent alors des prix record. Puis les préférences de Miquel Barceló vont vers la glaise. L’expérience d’une sensation humide et visqueuse ressentie un jour à l’intérieur d’une immense poterie où il s’est enfermé lui donne une nouvelle source d’inspiration. Mais ce novateur était loin d’imaginer travailler un jour avec des potiers d’Avignon pour réaliser en compagnie de Joseph Nadj une oeuvre relevant du spectacle dramatique.
Josef Nadj, le danseur et homme de théâtre dont la sensibilité a souvent émerveillé et profondément remué le public d’Avignon, désirait depuis longtemps donner une performance avec Miquel Barceló. Son rêve fou était de faire corps avec une sculpture de l’artiste catalan.

Josef Nadj : "Ce projet est quelque part une sorte d’aboutissement de mon rapport à son œuvre. On essaie de parler toujours des mêmes questions : comment élucider un tout petit peu le mystère de l’univers, de l’existence, de nous-mêmes, notre place et notre façon d’y être, notre façon de voir le monde, de recevoir le monde. Alors, notre matière est différente, mais sans cesse on revient, ou je reviens à ces débuts, à ce noyau essentiel, ce que je disais : qu’est-ce que c’est, notre corps qui est donné et qui est ma propre matière première ?"

Josef Nadj : "Je donne effectivement mon corps comme support sur lequel il peut empiler de l’argile et sculpter l’argile avec mon corps, ça devient aussi donc pour lui une matière inédite, nouvelle, le corps vivant qui devient l’élément constitutif d’un tableau qui va exister quelques secondes, quelques minutes…Et après, on efface, on avorte, la problématique est l’espace de la représentation : comment on fait des variations sur le même thème…"

Miquel Barceló : "Je ne pourrais pas prétendre que chaque jour, je réussirai une œuvre. Là justement, il n’y a pas cette prétention, et j’essaie de faire une chose différente chaque jour. C’est comme un pari que je me fais à moi-même, que pendant les dix ou douze jours de représentation, je vais faire une image différente, comme un bestiaire… Un bestiaire qui va inclure aussi d’autres choses, mais ça sera une espèce de bestiaire qui aura un sens, mais qui sera chaque jour différent, comme si chaque jour, c’était un animal d’une autre espèce."

source: www.arte.tv (merci à Blaï)

 

 

 

 

 

 

 

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19 septembre 2012 3 19 /09 /septembre /2012 14:35

 

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photos: Martin Roemers

Half of humanity now lives in a city, and the United Nations has predicted that 70 per cent of the world's population will reside in urban areas by 2050. Across the developing world, cities gain an average of five million residents every month.

India alone has 48 cities with a population of over one million. The writer Suketu Mehta has described Mumbai - where one can find a million people in a single square mile, where two million residents lack access to latrines, and where the air has ten times the maximum permissible levels of lead - as the 'Maximum City': 

'Bombay is the biggest city on the planet of a race of city dwellers', he wrote. 'Bombay is the future of urban civilization on the planet. God help us.' 

                              Martin Roemers

 

 

 

 

 

 

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17 septembre 2012 1 17 /09 /septembre /2012 08:10

 

 

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Kut est un collectif de créatifs composé de réalisateurs ou jeunes musiciens. Ces derniers ont réalisé cette vidéo appelée « Oh Joy! » en décidant de casser le quotidien dans les rues de la ville de Riga et en y menant une opération sauvage et poétique. Une utilisation détournée du coton pour y changer l’atmosphère.

 

 

 

 

 

 

 

 

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13 septembre 2012 4 13 /09 /septembre /2012 13:38

"Gramoulinophone" joue ce soir encore à Prague, ainsi que demain à Roztoky, sur le "Lod' Taiemstvi", la Barge des Frêres Forman. Il parait que certains rêves flottent.

 

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9 septembre 2012 7 09 /09 /septembre /2012 21:05

 

 

 "Floating Land" est une oeuvre portative autonome, un micro état nomade destiné à faciliter, accueillir et promouvoir la création actuelle. Ce projet fou conçu par Sophie Dejode et Bertrand Lacombe, incarne une interface subversive entre réalisme et utopie

 


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Bandits cosmiques

Une œuvre qui les affranchi des contingences de la production d'images.

Un outil de propagande individuel, portatif et efficace.

"Floating Land" est conçu comme un nouveau territoire social politique et économique peuplé de citoyens concernés par les questions de création et d¹autogérance. Dans la construction architecturale de "Floating Land" Sophie Dejode et Bertrand Lacombe mettent leur autonomie artistique a l'épreuve des besoins utlitaires et quotidiens : manger dormir se déplacer. Pour les Floating Landais, les artistes créent des espaces habitables, des lieux de convivialité, des outils de locomotions poétiques, absurdes et fonctionnels. Dessins, sculptures, installations, films et performances, grandeur nature ou maquettes, le travail de Sophie Dejode et Bertrand Lacombe ne se limite a aucun médium, a aucune échelle, ni a aucun matériau particulier. Les pièces n'occupent pas seulement l'espace, elles ondoient dans le temps au fil des déplacements du micro état souverain et des désirs de ses habitants. 

 

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Pour célébrer les 10 ans du projet Floating Land, Sophie Dejode et Bertrand Lacombe s'implantent jusqu'au 16 septembre 2012 à Genéve dans la Villa Bernasconi, et proposent, le temps d'un épisode, un nouveau territoire à l'ambassade de leur fiction politique itinérante.

 

 

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Leur résidence, sous la forme d'un work in progress érigeant contre les façades de la villa une chatte architecturale affalée et poignardée d'un couteau dans le cœur et deux grosses bouées en bois qui enserrent la villa et constituent une tanière dont les galeries et les cavités accueillent leurs travaux et ceux d'une dizaine d'artistes invités à collaborer sur la thématique du trou. 
L'espace interne de la Villa se partage quant à lui entre un espace d'exposition au rez de chaussée et un lieu d'habitation à l'étage qui accueille artistes, amis de passage et visiteurs curieux.

 

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source: merci à Fred Fivaz

 

 

 

 

 

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8 septembre 2012 6 08 /09 /septembre /2012 07:04

 

Chaque année un artiste est invité en résidence, au printemps pour réaliser une œuvre particulière en rapport avec le thème de l’édition dans un des sites du circuit.
En 2012, l’artiste Japonais Teruhisa Suzuki a réalisé KARA « Coquille », sur la plage de Saint Julien près du port de Poulgoazec à Plouhinec (Finistère), en partenariat avec le lycée des métiers Jean Moulin

 


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KARA (Coquille)
En lien avec le thème du secret je propose de réaliser un volume inspiré de l’oursin, avec une ouverture qui permettra au visiteur d’entrer à l’intérieur.
L’oursin constitue un symbole important pour l’antiquité et la culture druidique comme
« œuf du monde » lorsqu’il est trouvé sous une forme fossile.
Vivant, sa carapace est recouverte de piquants dont certains pensent qu’ils servent à toucher et à percevoir l’environnement, et aussi à la protection. Chaque piquant s’insère sur un tubercule au moyen de muscles, ce qui explique qu’ils peuvent se détacher, et que des trous apparaissent alors.
Cette carapace constitue le lien entre un espace intérieur et l’extérieur.
J’associe cet intérieur au cerveau humain. Ce qui m’intéresse c’est de concevoir un lieu dans lequel le visiteur pourra à la fois se sentir à l’abri et capter des informations venant de l’extérieur.
C’est pourquoi le volume général sera recouvert de tubercules percés de trous par lesquels la lumière pénétrera.
Le visiteur installé à l’intérieur pourra observer l’extérieur. Et chaque tubercule fonctionnera comme un sténopé :
la lumière captée sera projetée sur la surface intérieure de chaque tubercule provoquant des images inversées.
L’objet sera réalisé en résine, fibres de verre, bois, papier, acier et sable.
Le volume, d’une hauteur de 1,8 m aura un diamètre d’environ 3 à 4 m.

 

source: merci à Gildas Bitout

 

 

 

 

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